Классик современного искусства Пабло Пикассо

  • Тесля Галина Васильевна, преподаватель истории искусства

Презентации к уроку

Загрузить презентацию (503 кБ)

Внимание! Предварительный просмотр слайдов используется исключительно в ознакомительных целях и может не давать представления о всех возможностях презентации. Если вас заинтересовала данная работа, пожалуйста, загрузите полную версию.

Загрузить презентацию (2 МБ)

Данная методическая разработка предназначена для проведения занятия по истории изобразительного искусства в 4 классе ДХШ (2 часа), возраст учащихся 14-16 лет.

Методика преподавания предмета опирается на диалогический метод обучения. Для развития у учеников самостоятельности в поисках и осмыслении знаний об искусстве необходимо им давать опережающие задания при подготовке к уроку. Учащиеся работают с литературой, Интернет – источниками, самостоятельно готовят небольшие сообщения, подбирают слайды, иллюстрации, приобретают навык публичного выступления.

Цель урока:

  • формирование представления учащихся о творчестве Пабло Пикассо;
  • развитие у учеников восприятия и понимания живописи авангарда.

Задачи:

  • выявление взаимосвязей изучаемого и изученного ранее материалов;
  • развитие интереса к современному искусству;
  • эмоциональное развитие.

Оформление: мультимедийный проектор, экран, компьютер, презентации.

Ход урока

I. Организационный момент

II. Повторение пройденного материала

Преподаватель: Сегодня мы с вами продолжим знакомство с искусством стран Западной Европы XX века. Для повторения пройденного материала и его переосмысления вам предлагается ответить на вопросы следующей презентации (Презентация №1). Определите направление (стиль), в котором выполнены работы художников. Аргументируйте, на основании чего вы сделали свой вывод.

Учащиеся: (называют стилевые направления в живописи и что для них характерно).

III. Усвоение новых знаний

Преподаватель: Сегодня мы с вами познакомимся с творчеством классика современного искусства Пабло Пикассо, постараемся подобрать ключи к пониманию современной живописи.

XX столетие принесло не только невиданные ранее технические возможности, но и заставило художников отказаться от привычного взгляда на мир. «Реалистическая» линия живописи отошла на второй план. Изменилась роль художника, он осознал себя творцом. Появилась новая живопись, живопись авангарда (франц. avant-garde – «передний край», «передовой отряд»). И даже спустя столетие живопись авангарда называют «современным искусством», считают трудной для понимания массового зрителя.

История искусства знает не так уж много мастеров, которые ещё при жизни были признаны классиками. Презентация № 2. (Слайд 1). В XX веке это Пабло Пикассо (Слайд 2). Его можно по праву назвать одним из самых удивительных и неподражаемых художников. Он всегда был разным, часто – шокирующим. Знаменитые картины Пикассо – это необыкновенный тандем традиционной живописи и оригинального искусства.

Перед вами три портрета художника Пабло Пикассо. Все они выполнены в разном стиле. (Слайд 3). Мастер блестящей живописной выучки, мог создавать реалистические, привычные глазу полотна, но он всю жизнь искал, экспериментировал, стремился создавать нечто новое. Почему Пикассо отказался от видимых образов?

Существуют три основные причины отказа от изображения видимого мира. Так, изобретение фотографии в середине XIX веке сделало неинтересным реалистическое изображение окружающего мира. Научные открытия, такие, например, как расщепление атома, теория относительности, способность света быть и волной и потоком частиц и другие изменили представления о мироздании, видимое перестало казаться достоверным. В начале XX века Европа оказалась в состоянии жесточайшего политического, экономического, военного и идеологического кризиса. Социальные потрясения свидетельствовали о том, что мир ужасен. Значит, воспроизводить на холсте действительность в натуральном виде неприемлемо.

В поисках нового художникам было на что опереться. В прошлом учебном году мы с вами познакомились с искусством XIX века, с такими направлениями в живописи, как импрессионизм и постимпрессионизм.

Началом авангардной живописи искусствоведы считают постимпрессионизм. Вспомните, что характерно для постимпрессионизма?

Учащиеся: Художники-постимпрессионисты не придерживались только зрительных впечатлений, а стремились свободно и обобщенно передавать материальность мира, прибегали к декоративной стилизации, стремились к изображению личных переживаний.

Преподаватель: Так постимпрессионист Поль Сезанн не копировал природу, а создавал ее живописный эквивалент на холсте, стремясь к изображению того, что внутри. Знаменитое высказывание Сезанна «трактуйте природу посредством цилиндра, шара, конуса» послужило теоретической основой для первого истинно авангардного направления в живописи ХХ века – кубизма. Основоположником этого направления в искусстве считают Пабло Пикассо.

Пикассо родился в г. Малаге на юге Испании. Первые уроки живописи он получил от отца, учителя рисования и мастера декоративных росписей. Пабло рано проявил талант к рисованию. Уже с 7 лет отец поручал ему дописывать лапки голубей на своих картинах. Но однажды, доверив тринадцатилетнему Пабло дописать довольно большой натюрморт, он был настолько поражен техникой сына, что, по легенде, сам бросил заниматься живописью.

Пикассо был необыкновенно одаренным ребенком и уже в возрасте 14 лет поступил в Школу изящных искусств в Барселоне, выполнив за один день экзаменационную работу, на которую давался месяц. Он поразил комиссию своим мастерством и был принят, несмотря на свой юный возраст. Учился в Королевской академии искусств Сан-Фернандо в Мадриде, на тот момент самой передовой Школе искусств во всей Испании.

Посмотрите на ранние работы Пикассо, выполненные им в Барселонской художественной школе и Академии Сан-Фернандо. Они выглядят, как произведения мастера, полностью владеющего техникой рисунка (Слайд 4).

Подлинной школой для Пикассо стала художественная жизнь Парижа, куда он впервые попал в 1900 году. В это время, на рубеже веков, именно в Париже рождалось новое искусство. Пикассо давно сгорал от нетерпения своими глазами увидеть полотна французских мастеров, с которыми он был знаком по репродукциям. С начала 1900-х годов в творчестве Пикассо принято выделять несколько периодов, которым по огромному стилевому разнообразию и различию формального строя вряд ли можно найти параллели у других художников.

Период с 1901 по 1904 гг. критики позже назовут «голубым периодом» творчества Пикассо, так как работы художника написаны в холодной сине-зеленой гамме. Мотивы его произведений того времени: одиночество, обездоленность. Главное средство выразительности в работах Пикассо «голубого периода» – линия. Монохромность картин лишь подчеркивает напряженную силу замкнутого контура (Слайд 5).

1905 – 1906 гг. в творчестве Пикассо именуют «розовым периодом», который характеризуется более жизнерадостными тонами – охристыми и розовыми, а также устойчивыми темами изображений – арлекинами, бродячими актерами, акробатами. Образы, населяющие его полотна, выглядят теперь лиричнее, общая грустная тональность картин смягчилась. Знаменитую «Девочку на шаре» относят к переходным картинам между «голубым» и «розовым» периодами. Художник играет на контрасте и балансе форм или линий, тяжести и легкости, устойчивости-неустойчивости (Слайд 6).

Как и некоторые другие художники его поколения, Пикассо пленился африканской скульптурой. Она давала пример свободного обращения с формой: так, голова статуи могла быть больше тела, и при этом фигура выглядела очень выразительно. В 1907 году на Осеннем салоне в Париже была организована посмертная ретроспективная выставка работ Поля Сезанна, которая произвела на Пикассо огромное впечатление: он внезапно увидел новый ход в создании пространственной перспективы. Под влиянием творчества Сезанна Пикассо стремится придать формам больше простоты и значительности. Отсюда начался путь Пикассо от изображения конкретных людей к изображению человека как такового и к форме как к самостоятельной структуре (Слайд 7).

В 1907 году появилась знаменитая картина Пикассо «Авиньонские девицы» – первая работа, выполненная в новом стиле. Над ней художник работал больше года – долго и тщательно, как не работал до этого над другими своими картинами. Первая реакция публики – шок. Эта картина является одним из самых революционных произведений начала XX века. На первый взгляд, это всего лишь вариация традиционного сюжета — купальщицы на фоне пейзажа. Однако нарочитые смещения форм создают эффект автономного пространства (Слайд 8). Скандальная картина была первым шагом живописи на пути к кубизму, а многие искусствоведы считают ее отправной точкой современного искусства.

Давайте заслушаем сообщение, подготовленное вашим одноклассником.

Ученик: (сообщение). Кубизм — направление в искусстве, основанное в первой четверти XX века в живописи, представители которого изображают предметный мир в виде комбинаций правильных геометрических объёмов: куба, кубошара, кубоцилиндра, кубоконуса. Для того чтобы полнее выразить идеи вещей, художники используют традиционную перспективу как оптическую иллюзию и стремятся дать изображение посредством разложения формы и совмещения нескольких её видов в рамках одной картины. Повышенный интерес к форме ведёт к разграничению в использовании цветов. Тёплые цвета для выступающих элементов сюжетного мотива, холодные цвета для удалённых или отдалённых элементов картины.

Преподаватель: Если живопись импрессионистов провозгласила условный характер цвета, то кубисты выразили новый подход к реальности через условный характер пространства.

По словам Пикассо: «Когда мы обнаружили кубизм, у нас не было цели изобретения кубизма. Мы только хотели выразить то, что было в нас».

Несмотря на критику, Пикассо продолжал дробить предметы и фигуры на составные части, упрощать их до строгих геометрических форм. Художественная практика кубистов: отказ от перспективы, сокращение фигур в ракурсах, показ их одновременно с нескольких сторон, тяготение к обратной перспективе (Слайды 9,10,11).

В «кубическом» периоде Пикассо (1909 – 1917) выделяют несколько этапов (Слайд 12). Первый этап кубизма называется «сезанновский». Он характеризуется тонами, какие мы могли наблюдать у Поля Сезанна – охристыми, зеленоватыми, коричневыми, но более размытыми. Изображение строится из простых геометрических форм (Слайд 13). Во многих натюрмортах 1909 года видны игры с точкой зрения на предметы: например, в полотне «Хлеб и ваза с фруктами на столе» на вазу и фрукты взгляд направлен сверху, а на перевернутую чашку – сбоку и чуть снизу, ведь мы не видим ее дна.

Второй этап – «аналитический» (граненый) кубизм: предмет дробится на мелкие части, которые чётко отделяются друг от друга, предметная форма как бы расплывается на холсте. Контрасты цвета и фактуры сводятся до минимума, чтобы они не мешали выявлению конструкции (Слайд 14). Цвет в произведениях этого периода лишь подчеркивает объемы и позволяет выявлять пластическую суть объекта изображения. О разложении формы цельного предмета на мелкие разнородные детали Пабло Пикассо говорил так: «Зритель видит картину только по частям; всегда лишь фрагмент за раз: например, голову, но не тело, если это портрет; или глаз, но не нос или рот. Следовательно, все всегда правильно». Третий этап – «синтетический» (коллажный) кубизм. Работы Пикассо принимают декоративный и контрастный характер. Картины изображают по большей части натюрморты с различными предметами: музыкальными инструментами, нотами, бутылками вина, курительными трубками, столовыми приборами, афишами. Опасаясь превращения кубизма в чисто абстрактные эстетические упражнения, Пикассо использовал в своих работах реальные предметы: обои, песок, веревки и др. (Слайд 15).

К 1917 году относится первый опыт работы Пикассо в качестве театрального художника. Он создал эскизы костюмов и декораций к постановке балета «Парад» для «Русских сезонов» Сергея Дягилева (Слайд 16).

Период творчества Пикассо в 1918-1925 гг. критики назвали неоклассицизмом. В эти годы его полотна очень далеки от кубизма; на них: ясные и понятные формы, светлые тона, правильные лица (Слайд 17). Самая выразительная картина этих лет – «Портрет Ольги в кресле». Пикассо активно критиковали за смену стиля, как прежде критиковали за кубизм. На эти обвинения он ответил в одном из интервью: «Всякий раз, когда я хочу что-то сказать, я говорю в той манере, в которой, по моему ощущению это должно быть сказано».

В течение следующих десяти лет Пикассо отходит от кубизма, создав свой неповторимый стиль, в котором перемешиваются все возможные и невозможные приемы живописи.

В 1925 году он написал картину «Танец» (Слайд 18). Агрессивная, болезненная, с деформированными фигурами, она отражает тяжелый период в жизни художника и одновременно провозглашает новый перелом в его творчестве. Пикассо близок к сюрреалистам, но у него всегда свой путь. Никогда художник не чувствовал себя замкнутым в рамках какого– либо одного течения. Художественная манера, методы и приемы менялись вне видимой логики и часто сосуществовали одновременно. Давайте заслушаем еще одно сообщение, подготовленное вашим одноклассником.

Ученик: (сообщение). Сюрреализм – (от французского «сверхреальность), направление в искусстве, сформировавшееся к началу 1920-х годов во Франции, скоро стал международным направлением. Отличается использованием аллюзий и парадоксальных сочетаний форм. Сюрреализм провозгласил источником искусства сферу подсознания (инстинкты, сновидения, галлюцинации), а его методом – разрыв логических связей, замененных субъективными ассоциациями. Отличительной особенностью многих полотен стали реальные, подчас доходящие до натурализма изображения персонажей и их окружения, но в фантастических, бредовых сочетаниях. Сюрреалисты при помощи живописи делали видимыми свои мысли, заставляли зрителя задуматься. Из-за этого картины сюрреалистов часто напоминают ребусы, которые полностью разгадать невозможно.

Преподаватель: Например, работы Пикассо сюрреалистического периода: «Фигуры на пляже», «Женщина с цветком» и другие. В творчестве мастера сохраняется тенденция к одновременным поискам в разных направлениях (Слайд 19).

Со второй половины 30-х годов творчество Пабло Пикассо всё сильнее пронизывают отзвуки современных событий: «Плачущая женщина», «Кот и птица» (Слайд 20).

В 1936—1939 годах Пикассо становится видным деятелем Народного фронта во Франции, активно участвует в борьбе испанского народа с фашизмом. Гневным протестом против фашистского террора является монументальное панно «Герника» (Слайд 21).

Ученик: (сообщение). Картина Пабло Пикассо «Герника» огромная (почти 8 метров в длину и 3,5 в высоту), монохромная. Она была впервые выставлена в республиканском павильоне Испании на Всемирной выставке в Париже. Герника – это маленький городок басков на севере Испании, практически стертый с лица земли немецкой авиацией 1 мая 1937 года. Полотно пронизано насилием, оно источает ужас и боль. В центре композиции, наподобие фриза, среди кубистических и сюрреалистических элементов показаны павший воин, подбегающая к нему женщина и раненая лошадь. Основной теме сопутствуют изображения плачущей женщины с мертвым ребенком и быком за ее спиной и женской фигуры в пламени с воздетыми вверх руками. В темноту маленькой площади, над которой висит фонарь, протягивается длинная рука со светильником — символом надежды. При символичности и иносказательности картина разрушения выглядит потрясающе достоверно. Картина стала предупреждением человечеству о грядущей войне, об ужасах фашизма, она вызвала эмоциональный взрыв в обществе. Это панно Пикассо не потеряло своей значительности и в наше время. Оно звучит как предупреждение.

Преподаватель: В работах художника послевоенного времени преобладают антивоенные сюжеты (Слайд 22). В 1949 году мастер рисует своего знаменитого «Голубя мира» на плакате Всемирного конгресса сторонников мира в Париже. Белый голубь, нарисованный Пикассо в 1949 году неоднократно им воспроизводился в различных вариациях. Он стал самым узнаваемым символом мира, обошедшим всю планету (Слайд 23).

Со второй половины 40-х годов творчество Пабло Пикассо становится наиболее разнообразным. Помимо станковых живописных произведений, он работает и как скульптор, и как керамист, и как график (Слайд 24).

В поздний период творчество мастера оставалось обширным и многогранным. Он импровизирует в классической манере, а также пишет пейзажи, интерьеры, портреты с фантастическими событиями. Чувством неудовлетворения собственным творчеством отмечена серия интерпретаций и вариаций на темы знаменитых картин. Так, в картине «Менины. По Веласкесу» Пикассо перешел на язык «пластических символов». (Слайд 25).

Творчество Пикассо кардинальным образом повлияло на ход развития искусства и культуры всего XX века (Слайд 26). Его можно по праву назвать одним из самых удивительных и неподражаемых художников. Пабло Пикассо умело сочетал на холсте такие необыкновенные материалы как металл, камень, гипс, уголь, карандаш или масляные краски. Он – изобретатель новых форм живописи, новатор стилей и методов, и один из наиболее ярких художников в истории искусства. Он создал более чем 20 тысяч работ. История не знала художника, творчество которого вызывало бы столько споров. Он трансформировал искусство так, как никто другой в этом веке. Пабло Пикассо стал самым знаменитым художником ХХ века.

IV. Аналитическая работа

Преподаватель: В XX веке эксперимент, новизна в искусстве авангарда стали цениться сами по себе. Главное достижение живописи авангарда в том, что она заставляет не смотреть на то, что изображено на картине, а интересоваться тем, о чем эта картина (то есть какую идею она выражает) и как она сделана (то есть каковы чисто живописные средства и особенности). У живописи авангарда новые, непривычные для вас, ключи к ее пониманию, которые можно представить в виде такой схемы:

доверие → название → ассоциации → контекст → детали → вчувствование

Важная задача зрителя − доверять художнику. Что бы ни было представлено взору зрителя, у настоящего художника за этим скрыто некое послание миру, художественное высказывание. И чтобы до него добраться, нужно верить в его существование.

Очень часто первым шагом на пути к разгадке художественной тайны служит «расшифровка» названия. Название может служить ключом к пониманию, даже когда оно вроде бы ничего и не значит.

Далее, подумайте, какие ассоциации у вас возникают, глядя на картину?

Художникам авангарда просто необходимо было ввести своих зрителей в контекст, который сами же художники и задавали. Без подобных комментариев само это искусство может остаться непонятым или, напротив, слишком однозначным.

Детали тоже дают нам ключи к пониманию, ведь у настоящего художника нет ничего случайного.

Также нужно не только знать, но и чувствовать. Попытка «почувствовать» картину совершенно необходима, а всё предыдущее осмысление направляет поток чувств и эмоций.

Авангардный художник ведет со зрителем диалог, и каждый зритель имеет право на собственное понимание и интерпретацию.

Сейчас я предлагаю вам провести анализ картины Пабло Пикассо «Плачущая женщина» с помощью ключей к пониманию живописи авангарда.

Вы должны в письменной форме показать свое умение излагать мысли о творчестве художника, продемонстрировать навыки по восприятию произведения живописи авангарда, выразить к нему свое отношение.

Каждый из вас должен высказать и обосновать свою точку зрения. Показать логику и последовательность мышления, выявить средства выразительности, которыми пользуется художник, сделать выводы и обобщения.

(Пример письменной работы учащегося)

Учащиеся: Я постараюсь доверять самому знаменитому художнику прошлого века. Из названия ясно, что на картине изображена плачущая женщина. Она молода и одета по моде. На ней – яркая шляпа с брошью. В ухе сережка, похожая на муху. Мы видим у нее слезы, в глазах – страх, отчаяние, горе. Лицо женщины деформировано и искажено гримасой, показано одновременно с нескольких сторон, в фас и профиль. Ее образ очень выразительный. Пикассо выполнил деформацию внешнего вида женщины, чтобы продемонстрировать нам ее внутреннее отчаяние. Глаза женщины превратились в слезы, она кусает платок, ее брови опущены, на лбу пролегла глубокая складка. Художник детально прописал зубы (зачем, не знаю, но выглядит не очень привлекательно). Руки женщины похожи на лапы животного. Волосы разного цвета. Все изображение раздробленное, близкое по стилю к кубизму. Вероятно, для большей выразительности художник использует чистые, яркие, сочные краски, которые усиливают ощущения горя. Контрастные цвета на картине усиливают друг друга, образуя сильнейшее эмоциональное сочетание. Оно, конечно, воздействует на зрителя и запоминается. Я считаю, что слишком яркие краски придают картине некую декоративность, что логически не соответствует названию картины. По всей видимости, Пикассо раздражали женские слезы, я не увидела сочувствия художника к его модели, и ее слезам. Мне трудно оценить мастерство художника в данной работе, так как мне нравятся картины, выполненные в классическом стиле. Но я помню высказывание Пикассо: «Я могу рисовать как Рафаэль, но мне понадобилась вся жизнь, чтобы научиться рисовать так, как рисует ребенок».

Преподаватель: Благодарю всех учащихся за творческий поиск, за работу на уроке. Важно, чтобы вы все научились формулировать свое отношение к произведениям искусства, учились понимать и анализировать живопись авангарда.

V. Домашнее задание

Выберите понравившееся вам произведение живописи авангарда (работу Пикассо или другого художника), проведите анализ, используя новые ключи к пониманию. Результаты анализа запишите в тетрадь. На следующем уроке с результатами домашней работы вы должны познакомить своих одноклассников.

Добавить комментарий

Ваш e-mail не будет опубликован. Обязательные поля помечены *

− 4 = 4